柏林，參觀私人典藏的歐洲重鎮

Kohei Nawa, "Air Cell"

跨國汽車集團致力於當代藝術的典藏
國際知名的戴姆勒克萊斯勒汽車集團除了是高級轎車極品的代名詞之外，較為人所不知的或許是該集團近30年來的耕耘與投資，至今累積超過1200件作品以上的藝術典藏。源自1977年，戴姆克萊斯勒藝術典藏的歷程至今邁入第30年，其中涵蓋了超過300位以上的國際藝術家，風格從世紀初的建構主義Constructivism到無形式主義及抽象藝術Informel (Abstract Art) 、從Stuttgart前衛藝術學派Stuttgart avant-garde到極簡主義Minimalism、乃至今日的當代藝術Contemporary art，其中還必須提到幾個獨特的案例：如普普藝術大師Andy Warhol於1986年為該集團所創作的《車Car》系列、觀念藝術家Robert Longo與Joseph Kosuth分別受邀所完成的作品…等。
為了推廣該集團長年累積下來的重要成果，該集團除了在柏林市Potsdamder Platz商業區中，鄰近克萊斯勒總部的Haus Huth中成立了戴姆克萊斯勒當代藝術藝廊DaimlerChrysler Contemporary，並在該總部的四週規劃成一公共藝術區，共展出八位當代藝術家的雕塑作品，除了為人來人往的Potsdamder商業區帶來令人耳目一新的藝術景觀之外，並展現該集團長年致力於當代典藏計畫的成果與驕傲。



Katja Strunz, "Einladung zur Angst" [Invitation to Fear]

克萊斯勒基金會的典藏至今不但立下高品質的名譽之外，並已多次在世界各大美術館中展出過，從柏林新國家藝廊Neue Nationalgalerie到紐約古根漢美術館Guggenheim Museum New York、從卡斯魯新藝術美術館Museum fur Neue Kunst / ZKM, Karlsruhe到美國底特律藝術學院The Detroit Institute for Arts。



以Helmut Newton攝影作品為主的柏林攝影美術館

Helmut Newton喜好應用驚世駭俗的主題與內容來回應其客戶的要求：從時尚雜誌Vogue到Elle，從Marie-Claire到Nova，其中裸體的、男性化的、渴望權力的與自戀的一個個知名的名模與女星，除了在其鏡頭下留下了美艷的身影，而這些人物與風格也成就了他今天最重要的影像標誌。
當我們一進入Helmut Newton基金會，走上中庭樓梯迎面而來的就是其最知名的時尚名模裸體攝影系列《Big Nudes》：四位全裸的名模，以同人齊高的超大尺寸攝影作品震撼著觀者的目光。而位於二樓的臨時展《WANTED》則共分成兩個展場，一邊展出Newton於1987至1995年之間，以節集自《Helmut Newton’s Illustrated》雜誌中的四大標題：No. 1《Sex and Power》、No. 2《Pictured from an Exhibition》、No. 3《I was there》與No. 4《Dr. Phantasme》，分別展出該攝影師完成的封面與攝影作品，在此系列中我們可以看到一個個知名人物如Andy Warhol、Sigourney Weaver與Elizabeth Taylor…等人的身影。而另一展場則展出Larry Clark少見的《Tulsa》系列與《Teenage Lust》系列，敘述著七十年代青少年充滿情色與磕藥行為，私下不為人知的糜爛生活寫實紀錄，可謂是後起之當代攝影師Nan Goldin與Richard Billingham的先鋒。以及另一知名攝影師Ralph Gibson極具抽象美感的作品，回歸攝影光影變化的美學本質。

設立於2003年，Helmut Newton基金會收藏並管理該國際知名攝影師及其遺孀June Newton（別名為Alice Springs）的攝影作品。隨之經由普魯士文化遺產基金會的運作與仲介，該基金會也於2004年六月正式移入現名為Helmut Newton基金會與柏林攝影美術館，一棟位於柏林Charlottenburg區的傳統建築物中。佔地2000平方公尺的Helmut Newton基金會與柏林攝影美術館除了定期推出除了Helmut Newton的攝影作品之外，並也依據不同的主題展示其它攝影師的作品。而位於一樓的展示廳則長期展出Helmut Newton生前的居家用品、衣物與傢俱之外，也展出曾該攝影師的作品作為封面的雜誌、出版品與攝影集。


Andy Warhol
"Mao", 1973
448,3 x 346,1 cm
©2007 Andy Warhol Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Abdruck honorarfrei im Rahmen der Ausstellung im Museum Frieder Burda, Baden-Baden


令人爭議的私人典藏展出模式
位於柏林新中央車站Hauptbahnhof不遠，改建自十九世紀中的火車站，Hamburger Bahnhof美術館自1906年起原是柏林市立交通與建築博物館，歷經兩次世界大戰之後，建築物曾遭受到相當大的破壞，最終經過一連串重要的整修與擴建工程之後，正式納入州立美術館聯盟，並於1996開幕，Hamburger Bahnhof搖身一變不但成為柏林市中最具代表性的當代美術館，也是該市佔地最大的美術館。該館總面積為13000平方公尺，其中最知名的展出作品應該就是幾位重要私人典藏家的典藏作品：Erich Marx Collection、Marzona Collection與Friedrich Christian Flick Collection。

目前正在德國南部巴登巴登Frieder Burda Museum所展出的 Erich Marx私人典藏展，也是該典藏自1996年來入居Hamburger Bahnhof美術館之後，首次大規模離開柏林至他方展出的行程。該典藏中幾位重要的西方藝術大師：Joseph Beuys、Anselm Kiefer、Robert Rauschenberg、Roy Lichtenstein、Cy Twombly與Andy Warhol組成了該私人典藏最重要的特色之一，並也是柏林Hamburger Bahnhof美術館與Erich Marx簽定作品長期展出合作方案的動機之一。
而另一位知名私人典藏家Egidio Marzona的典藏則主要集中在極簡藝術Minimal Art、觀念藝術Concept Art、地景藝術Land Art與儉樸藝術Arte Povera為主。自2001年起被柏林市政府所收購並納入Hamburger Bahnhof美術館典藏之中，Egidio Marzona的私人典藏除了一掃該館因經費不足，典藏作品不足與品質不佳的惡名之外，並也試圖向世人展現該館致力典藏並展出當代藝術作品的決心與使命。
於2004年，該館再度與德國當代藝術私人典藏家合作，這次主角則是二次世界大戰納粹黨軍火販後裔Friedrich Christian Flick的私人典藏作品，雙方共簽定七年長期展出計畫的合約。雖然Hamburger Bahnhof美術館在與私人典藏合作之初時，曾極力對外宣稱此項合作計畫主要是基於尊重品質、致力於展出好的藝術作品為使命所誕生的計畫，試圖一掃外界對於該館與私人典藏家互動關係過於緊密的批評，然各方批判聲浪還是從未斷過，尤其是當Friedrich Christian Flick典藏藝術作品的背景與二次世界大戰有著緊密的關係。



Hamburger Bahnhof美術館

為私人典藏家背書還是以藝術為名
就在Hamburger Bahnhof美術館極力以「以藝術為名」為自我定位時，與該美術館合作的另一私人典藏家Erich Marx因為該美術館的策展人Heiner Bastian（也是Erich Marx的前藝術顧問）因故突然離開美術館之際，在四月間突然脅迫要與Hamburger Bahnhof美術館解約，把典藏作品移至它地，此項消息又將全世界的焦點再度轉移到該美術館身上。該事件最後經由普魯市文化基金會The Prussian Culture Foundation的居中協調圓滿結束，宣稱該典藏與柏林美術館的合作方案不但將擴及到柏林新國家美術館Neue Nationalgalerie，並經確認由指定的州立美術館的策展人共同管理與策劃與該典藏相關的各項展覽，進而化解了此一危機。該基金會並藉此機會對外宣稱已與 Marx簽定特殊條款，該私人典藏中最重要的四十一件作品：分別由Beuys、Kiefer、Warhol、Lichtenstein與 Rauschenber所創作的作品將不得在借展合約有效期間轉售，以避免私人典藏家可以藉機賺取暴利，也試圖擺脫美術館為私人典藏背書的嫌疑﹝註1﹞。




Matthew Buckingham, "Venice in New York? Wishful image of Canal Street", part of "Art in General on Canal", 2002



聲譽自我強化（autorenforcement）的連鎖效應
Hamburger Bahnhof美術館的案例讓我們不得不自問在這種公私立單位合作的關係之下，到底對當代藝術市場、當代藝術作品行情與當代藝術家的評價會造成什麼樣的影響？由法國經濟學家所著作的《當代藝術的市場Le marche de l’art contemporain》﹝註2﹞是想了解藝術市場之經濟運作模式的有心人值得一讀的小品。其中所提及之經濟學自我強化（autorenforcement）的連鎖效應相當值得我們深思。首先，一位私人典藏家的知名度通常是來自於藝術市場交易訊息的結果，如該典藏家的收藏歷史與收藏作品，最初只涉及專業領域。然一但典藏家在專業領域中的知名度越來越高，相對地也就建立起該典藏的聲譽，並引來各方公私立展覽單位的邀請與借展。而透過這些公開展出機會，自我強化的效應就會開始運作，除了提高該典藏的明見度之外，也會如滾雪球般在大眾心中建立起該典藏的聲譽，進而奠定了該私人典藏家在大眾心中的美譽。
因此當公立美術館必須依賴私人典藏而運轉時，當公立美術館成為私人典藏「品質保證」的指標時，當私人典藏因為聲譽自我強化效應而抬高身價，這些現象都間接刺激了當代藝術市場交易的活躍，但同一時間也模糊了藝術價值標準的尺度。《當代藝術的市場Le marche de l’art contemporain》就饒富興趣地在最後章節中：《藝術作品之價值與價格的形成模式La formation de la valeur et des prix》，介紹了近三十年來，三位在當代藝術市場中具有絕對影響力的國際知名私人收藏家：Charles Saatchi、Francois Pinault、與Jeffrey Deitch，這除了意味著私人收藏家今日地位早已集策展人、藝評家、贊助家、製作人為一身之外，並同時左右著一件藝術作品、藝術風格、藝術家的市場行情，在藝術作品之價值與價格形成模式中具有重要的影響力。

註1：本訊息轉載自Art Forum雜誌的網路訊息http://artforum.com/
註2：Nathalie Moureau & Dominique Sagot-Duvauroux,《當代藝術的市場Le marche de l’art contemporain》, Editions La Decouverte, Paris 2006

Artbar：
戴姆勒克萊斯勒當代藝術基金會DaimlerChrysler Contemporary
展覽：Art Scope, Interface Complex, Contemporary Art from Japan and Germany
展期：15 June – 02 September 2007

展覽：極簡藝術與應用Minimalism and Applied, Minimalism in Art 1920 to today and Design
展期：21 September 2007 – 07 January 2008
地點：Haus Huth, Alte Potsdamer StraBe 5, Berlin
網址：http://www.collection.daimlerchrysler.com

Helmut Newton Foundation與柏林攝影美術館
展覽：WANTED
展期：03 June – 18 November 2007
地點：Jebensstrasse 2, Berlin
網址：http://www.helmutnewton.com/

Hamburger Bahnhof – Museum Fur Gegenwart – Berlin
展覽：Brice Marden
展期：12 June – 07 October 2007

展覽：Matthew Buckingham
展期：08 June – 14 October 2007
地點：Invalidenstrasse 50-51, Berlin
網址：http://www.hamburgerbahnhof.de/

The world is coming to Berlin

「少即是多...重要的是不能視簡單為膚淺 Less is more...It is important not to confuse simple with simplistic...」...Ludwig Mies van der Rohe

自1989年圍牆正式拆除，東西德合併以來，柏林自2000年起重新成為德國首都，除了再次名列世界大城之外，至今近十八年以來在市政府努力的投資與整合，私人企業總部大樓的高度建設發展下，其市容景觀也具有相當不同的風貌。尤其，如果我們回憶起該市在第二次世界大戰期間，90%的建築物均遭到盟軍的轟炸與摧毀，如此龐大的破壞與傷害，或許更可間接解釋了柏林今日多樣化的建築景觀風貌。
然本文並非試圖就建築的眼光來探究在柏林市中存在的各類現代建築風格（雖然這也是相當值得探究的主題之一），而是透過幾個特殊的「景點」來思考藝術之於生活的互動、藝術之於信念的影響，進而一窺這個今日在多數藝術家心中值得造訪，甚至移民居住的都會，重生後的多樣風貌。



難忘的過往傷痛－Holocaust Mahnmal紀念碑（2000/05）

鄰近Brandenburg Gate與國會Reischtag不遠，由紐約建築師Peter Eisenman所設計，共由2700塊如灰色墓碑般的大型混凝土磚所組成，極簡又聳動的Holocaust Mahnmal紀念碑絕對是來到柏林參觀的大眾難以錯過的景點之一。於2005年五月正式揭幕，這個明顯的地標除了喚起大眾那段「難忘的過往」之外，近十七年的籌備與規劃，近五年的建設過程，也的確讓人不得不佩服德國人那「鋼鐵般」的決心與毅力，以及勇於面對歷史的勇氣。2700塊灰色的混凝土基本上高低不同，再加上如波浪般起伏的地面，用意在吸引大眾踏入棋盤格狀的狹窄通道，有如踏入時間長廊般浸溺在一種「獨行式時光之旅」，思索著那段「不堪回首的歷史」。該地標的地下室並設立了收集完整的資料庫，多重影音錄像資料的應用讓人得以清楚地了解二次世界大戰中，猶太人大屠殺事件的來龍去脈。



Photos courtesy of the Jewish Museum Berlin

同樣是為了紀念因二次大戰而死去的猶太民族，於Kreuzberg區設立的猶太人歷史博物館則由具猶太人背景的美裔建築師Daniel Libeskind所完成。這位同時被選上將為紐約市設計興建世貿紀念碑的知名建築師在此應用了具高度象徵意義，看似有如刀傷般的表面讓建築物整體看來就像是一幅立體的抽象解構主義畫作。然這樣特殊的後現代建築風格在內部更創造出相當特殊的光影效果，挑高的空間上端間斷式地灑下由外照入的微弱光線，此一精心的設計除了透過這一道道的光束來哀悼那已逝的人事物，呼應著博物館多方細膩取材的史料證物之外，事實上也望向光明的未來，一個充滿著「曙光」的和平願景。

世界遺址－回顧Bauhaus包浩斯（1925/26）

提到德國歷史上那段過往傷痛，距柏林約一小時半的車程，位於Dessau的包浩斯學院則是此一歷史發展中，前衛藝術發展遭受政治迫害下的具體見證，但也是象徵著藝術信念最終超越社會政治層面，得以流傳後世的最佳典範。


包浩斯學院由建築師與第一屆館長Walter Gropius沃爾特‧格羅佩斯於Weimar威瑪之際即構思成形，隨之因政治因素遷入Dessau，於1925開工，並在隔年正式建立完成。該地標除了是建築愛好者朝聖的聖地之外，更是上世紀初工業結合藝術美學發展之高峰的代表之一。興起於第一次世界大戰之後，當時左派政府為提升國家工業生產力，積極鼓吹創新技術的目標下所爆發出的新興設計藝術美學。除了視「建築」為設計美學之最佳表範之外，包浩斯風格也立意訓練出全才的建築師，它的職責不單在於建設出一個富功能性、實用性與美學性的居所，並須全身參與該空間中各方用品細節的設計過程，集建築師、室內設計、工業設計與產品設計師為一身，進而落實設計工學的極致表現。雖包浩斯當初因納粹黨的興起只維持了短短六年的營運時間，其中並更換過三次館長，然此一短暫但具高度生產力的運動相反地也孕育出後期多樣的風格與流派，以及建築業與設計界中多位舉足輕重的藝術大師。
另一個造成包浩斯風格興起的主因則可歸因於上世紀初歐洲工業革命高度發展，隨大型鋼鐵鎔鑄技術（其明顯的範例可見於法國知名的艾菲爾鐵塔Tour Eiffel）與鋼筋混凝土技術的發明，該技術釋放了直立牆面作為支撐整體建築物的物理結構設計規範，讓建築師得以單純只應用幾個主支撐點的設計模式來支撐懸空的平面空間與平台（其最知名的範例可見於Neue Nationalgalerie柏林新國家藝廊），打破慣有的隔間設計模式，設計出寬敞極簡的立體空間，引領建築設計脫離裝飾藝術Art Deco與新古典主義Neoclassicism的繁瑣，孕育出最後在美國發揚光大的國際風格International Style，可視為是建築與設計工業的里程碑。



Mies van der Rohe Haus密斯‧凡‧德羅之家（1932/33）

而曾任包浩斯學院第三屆館長的Ludwig Mies van der Rohe密斯‧凡‧德羅則在柏林市中留下幾個非看不可的重要建築物：位於柏林市郊外的Mies van der Rohe Haus密斯‧凡‧德羅之家與Neue Nationalgalerie柏林新國家藝廊。
最初應印刷廠老闆Lemke夫婦的要求，期望擁有一小巧單純但須連結戶外庭園的居住環境，Mies van der Rohe選擇單用紅磚與玻璃窗建材，為這一對膝下無後的夫婦設計出一個整體上呈L型的平頂式單樓住家，其簡樸的外觀與風格讓人在剎那間還頗感到相當錯愕的單調感。然如果我們願意用心深入研究，該居所的兩個主要空間：客廳與工作室選擇利用大型落地窗的設計以期達到最高的採光度，而佔地小的廚房、玄關與浴室則分別緊連著工作室、客廳與臥室，朝生活實用性與機能性考量，避免無謂的空間浪費。此外，值得我們注意的是，大型落地窗的應用除了讓室內得以在白日中得到最佳的採光之外，更在無形中讓人忘了室內與戶外庭園之間的界線，不但創造出一種衍生性空間的錯覺，更是應用最小化媒材元素以達到最大化空間效應的典範。Mies van der Rohe此一建築風格的特徵也可見於他為德國於西班牙巴塞隆納世界博覽會時所建立的Deutsch Pavillion德國館。



柏林新國家藝廊Neue Nationalgalerie（1965/68）

而位於柏林市中心的柏林新國家藝廊則是當今世上少見的美術館之一，其單純方形的全透明外觀、特殊的建材（鐵、玻璃與鋼筋混泥土）與建築工學上的創舉則正是這位建築大師至理名言：「少就是多...重要的是不能視簡單為膚淺 Less is more...It is important not to confuse simple with simplistic...」的最佳表證。Mies van der Rohe相信一個好的建築體，重要的是拋棄一切無謂的繁瑣裝飾，以求達到最本質上的要求（reduced to the essential），推廣所謂的真實建築（true architecture）。因此，將主要展場立於地下之中的Neue Nationalgalerie，其四面均用玻璃所架起的透明牆面，此一創新的建築設計概念不但打破了隔間的概念，以求空間使用上的最大彈性，而換個角度而言，其實更是今日美術館之白盒子設計觀念的前身，讓建築物退居到次要的地位，因為一個好的展覽空間應該讓身為主角的藝術作品享受到零度空間的對待，自此大眾也才得以將目光專注在展出的藝術作品之中，真正地欣賞到藝術作品自我散發出的魅力與光彩。


Jeff Koons, "Balloon Flower", 1995 - 99

克萊斯勒當代藝術基金會（1995/2001）

就離Neue Nationalgalerie不遠，現已成為柏林重要商業區的Potsdamer Platz則歸屬於二十世紀後期後現代生活主義結合藝術的理想實現與成果。該區由來自世界各國的知名建築師設計出各自獨具標籤的建築物所組成，一座座相互爭艷的建築物除了符合客戶的基本要求之外，其高度的想像力也超脫了建築設計之功能性與實用性的基本原則，儼然看來就像是一個個令人驚歎的大型雕塑作品，令人讚賞。在本區中幾個值得參觀的定點有由建築師Hans Scharoun於六十年代初期所設計完成的柏林愛樂廳（Philharmonie）、Helmut Jahn為Sony所設計的Sony Center、Sir Richard Rogers所設計的辦公大樓、以及由Renzo Piano為克萊斯勒所興建的Daimler Chrysler Site…等。
國際知名的戴姆克萊斯勒汽車集團名下除了同時擁有克萊斯勒與賓士等知名高級名車品牌，然較為人所不知的或許是該集團自1977年，開始積極投入的當代藝術典藏計畫。至今近三十年的投資與發展，戴姆克萊斯勒當代藝術基金會傲人的成果可見於樹立於Potsdamer Platz中，分散該集團柏林總部四週由八位藝術家：Keith Haring、Jeff Koons、Robert Rauschenberg、Mark di Suvero、Nam June Paik、François Morellet、Jean Tinguely、以及Auke de Vries所完成的戶外雕塑作品。而每年定期規劃四檔展期的DaimerChrysler Contemporary（當代藝術藝廊）也立足於該區中唯一避過戰爭摧殘的Haus Huth四樓之中，更為人潮來往不息的Potsdamer Platz增添了一股相當特殊的藝術氣息。


Robert Rauschenberg, "Riding Bikes", 1995 - 99

後記：
在六年苦心經營下，包浩斯學院最終因納粹黨的興起而關門，而多數屬於該流派的建築師與藝術家也在不認同當時政黨理念的情況下，於三十年代期間紛紛離開德國，最終在美國發展出世界知名的「國際風格」。就在今天大家口中說著「The world is coming to Berlin」之際，據統計表示，自從德國首都再度遷回柏林之後，該市在短短十幾年間就吸引了至少三百位國際建築師在此留下它們的巨作，一棟棟風格特異的新建築不但造就了柏林今天相當特殊的都市景觀，在其中混雜（Mixing）的族群、多元（Multiplicity）的文化、自由（Liberty）的氛圍與另類（Alternative）的風格也是我們今天來到柏林時，首當其衝可感受到的整體印象，而此一包容與自由的氛圍最終與包浩斯短暫的生命有著相當諷刺的對比，雖饒富興趣但也令人感到一絲唏噓。



《The Whale at the Brandenburg Gate》, DZ Bank AG by Frank Gehry



Art-Info :
Holocaust Mahnmal / Memorial for the Murdered Jews of Europe
建築師：Peter Eisenman
地點：Cora-Berliner-Str. 1, Berlin, Germany

猶太人歷史博物館Jewish Museum Berlin
建築師：Daniel Libeskind
地點：LindenstraBe 9-14, Berlin, Germany

包浩斯學院Bauhaus
建築師：Walter Gropius
地點：Gropiusallee 38, Dessau, Germany
包浩斯大師館Masters’ Houses
建築師：Walter Gropius
地點：Ebertallee, Dessau, Germany

密斯‧凡德羅之家Mies van der Rohe Haus
建築師：Ludwig Mies van der Rohe
地點：OberseestraBe 60, Berlin, Germany

柏林新國家藝廊Neue Nationalgalerie
建築師：Ludwig Mies van der Rohe
地點：Potsdamer StraBe 50, Berlin, Germany

克萊斯勒柏林總部與當代藝術區Daimler Chrysler Collection
建築師：Renzo Piano
地點：Potsdamer Platz, Berlin, Germany

DZ Bank AG《The Whale at the Brandenburg Gate》
建築師：Frank Gehry
地點：Pariser Platz, Berlin, Germany

《感性思考、理性體會Think with the Senses – Feel with the Mind》，手持旅遊手冊的當代藝術觀展經驗4 － 威尼斯Venice

「『感性思考、理性體會』是相信…藝術並非是一持久性的整體結果，藝術不是解決自我、不同文化或社會環境之衝突的萬靈丹，那應是哲學、社會學與政治學的領域。而藉某一時刻或機緣讓事物『有所意義』的舉動，也是為了試圖去理智地、感性地與頓悟性地捕捉它們複雜的意義。」…Robert Storr（第五十二屆威尼斯雙年展策展人）

Oscar Munoz
Proyecto para un Memorial
2003-2005.
Five channel video-projections.
7’ loop, without sound.
200 cm. x 250 cm.
Courtesy Galeria Alcuadrado, Bogota, Colombia

從「直接指涉」到「多元向度」循序漸進
本屆威尼斯主題展的策展主軸主要圍繞在當代國際政治與種族衝突的問題，一進入Arsenal展場中，首當其衝的是以報章剪報、槍枝士兵圖像、戰後廢墟攝影、骷顱死亡景象等…符徵所完成的「指涉性」藝術作品，藉死亡與末世的圖像與訊息讓觀者一走入展場即刻感到不安與疲勞轟炸的窒息感。
然隨著腳步的前進，展出作品的意象與手法也開始有所不同，「多元向度」的創作開始浮現，呈現較具隱喻與寓言式美學的作品類型。如有別於Charles Gaines、Leon Ferrari、Emily Prince、Paolo Canevari、Nedko Solakov、Neil Hamon…等直接探討政治議題的作品，哥倫比亞籍藝術家Oscar Munoz的《Proyecto para un Memorial》只應用簡單的自然元素–水–在日曬下的石頭表面上畫下一個個不知名的人物；從第一個到第五個畫面，一個接一個，快速的筆觸所完成的肖像在灼熱的日曬下再度蒸發消失、反覆不斷，間接質問這些在哥倫比亞神秘消失的人到底發生了什麼事情？而日本藝術家Hiroharu Mori則投出一個用軍事彩迷圖樣所裝扮的問號《A Camouflaged Question in the Air》，漂浮在半空中的這個問號其實也是當今社會在國際緊張情勢下何去何從的疑慮！


Mori Hiroharu
A Camouflaged Question in the Air
2003
Single channel video and stereo sound
Duration: 09’ (total)
Copyrights: Mori Hiroharu

Robert Storr在此令人佩服的策劃能力或許就在於一開始選擇從感官導向出發，用對話衝突與視覺效果激烈的藝術作品作開端來刺激你我的感官，然隨著觀展空間與路線的延續巧妙地引入隱喻性的藝術意象，兩者相互相補，將主軸慢慢導向多向度、以理性導向的觀展經驗，避免讓主題展整體上呈現出過於偏激的訴求，也令人不由自主生出一種倒吃甘蔗般的觀展熱情。

不直接突出政治議題的隱喻性視覺衝擊 suggestive visual impact
政治或社會性議題的創作主題也可見於主題展外的國家館中，如北愛爾蘭館North Irland Pavilion藝術家Willie Doherty。Willie Doherty長久以來選擇用敘事隱晦的影像風格來創作，然背後所揭露的卻是北愛爾蘭長久以來的政局動盪與社會暴力，並藉此批判媒體一貫操作的片面性觀點。他本次展出的三件錄像投影作品，每部如電影般的寧靜畫面實在讓人難以聯想到深刻的議題，觀者須透過對白或主題等元素的幫助，才或許可以一窺其背後深沉的寓意。在此，Willie Doherty拒絕用影像來誘發觀者不安的情緒，因為他相信影像文本不應是「奇觀社會」下的宣傳工具，透過一種反向操作模式，他事實上更成功地傳達出批判的目的與立場。
而整體並不出色的中國館所推出的四位藝術家中就屬尹秀珍Xiuzhen Yin的作品《軍械庫Armoury》最令人印象深刻。基於展場Arsenal的特色，尹秀珍用多彩的布料包住一個個看來尖銳，如中國長矛般或如導彈般的物件，懸空掛在原本是武器庫的展場空間中，相當精確的主題內容與空間應用，震撼人心的整體視覺效果有技巧地回應著國際間武力緊張的情勢。


Willie Doherty
Closure
2007, Courtesy the artist.

荷蘭館今年推出的代表藝術家Aernout Mik則擅長應用紀錄性影像作品來探討公民與公權力之間微妙的互動關係。整個荷蘭館搭蓋著三間如個人監獄般的空間，搭配著所展出的三件投影裝置《Training Ground》、《Convergencies》與《Mock Up》。畫面上上演著警察控制治安的操練活動、真實發生的街頭暴動紀錄畫面（去年在巴黎市所發生的群眾暴力事件）、還有藝術家請演員演出的片段，這三件作品相互呼應，探討社會在全球化的當下，情理與法制、保護與制裁、權利與責任、秩序與脫序、公民與非法移民…等定義之間模糊的分界！

View of The Netherlands Pavilion
Aernout Mik
Citizens and Subjects
2007, Video installations
© 狂亂中的美

回歸造型本質
跳脫政治社會議題的領域，主題展中比利時女性藝術家Sophie Whettnall的《Shadow Boxing》嘗試透過創作來探討個體內在性的情緒。為時三分鐘的錄像作品呈現出一個拳手圍繞在一個不為所動的女子四週努力揮拳，有力的拳風在女子的髮稍與飄然的衣衫間摩嚓出陣陣無形的暴力威脅，然女子選擇視而不見，如雕塑般的靜止不動，其被動的反應事實上正是一種無言卻也最有力的反抗，任其（暴力）自我鼓譟不已。
而義大利女性藝術家Tatiana Trouve於主題展中展出的《Senza Titolo》，極簡式電線插頭雕塑作品突兀地孤立在展場一角，並連著一個依二分之一比例大小架構的縮小空間，其中裝置著一堆如絕緣體般的抽象物件：一堆鑲嵌在石頭中的鎖、穿越空間毫無存在意義的鋼管與鋼條、抽掉床墊毫無使用價值的床架、以及一個縮小的門，此一封閉性及迴路式結構似乎意指著一種自我設限式的短路性（court circuit）能量流動空間，但也有如尚未完成就乍然停止的凝結世界。

Tatiana Trouvé
Senza Titolo
2007, Stone and iron, variable dimensions
© 狂亂中的美

年輕的波蘭藝術家Monika Sosnowska也擅用空間概念來創作，她這次在波蘭國家館中展出的室內空間in site作品《Model of „1:1” installation》看來就像是藝術家將一個建築物的鋼筋架構硬生生地塞入展場中，鋼筋因為空間不足而扭曲成一個如迷宮般的抽象雕塑，此一簡單的構想似乎影射當今現代化的過渡期中，市容與新舊文化銜接在相互影響之下所產生的變形與衝擊。
而非洲藝術家El Anatsui展出的《Dusasa I》與《Dusasa I I》這兩件有如大型簾幕的作品是藝術家回收遭人丟棄的瓶蓋，將之捶打成薄片之後，以銅線一絲一絲所編織起來。這樣相當具手工功夫的創作所完成的巨型多彩簾幕除了具有高度的社會批判意識之外，更不媚俗地保有令人讚嘆的造型效果。

Monika Sosnowska
Model of „1:1” installation
2006, Iron
30 x 15 x15 cm
© 狂亂中的美


藝術（家）的痴狂obsession與信念faith
此外還有一些作品則與上述風格迴異，選擇以痴狂與信念的創作觀點出發，如法國國家館的Sophie Calle。Sophie Calle屬中堅代的當代藝術家，從八十年代以來，她的自傳性故事創作手法被視為是觀念藝術的延續。Sophie Calle喜愛將文學（看似虛構）與攝影（紀錄寫實）結合在一起，用私密的個人故事來激發觀者的想像與好奇心，從另一觀點來看，此一創作風格也是藝術與生活結合的最佳寫照。這次她特別搭配威尼斯而推出的大型裝置作品《Prenez Soin de Vous》除兼具寫實紀錄性：藝術家邀請了107位女性來闡述她們對於一封分手信內容的觀點、也充滿戲劇性：整個創作的結構就像是一部小說的衍生。而本展對觀者來說更難得的是，透過這件創作他們可以一次完整地觀察這位藝術家二十多年來一貫的創作模式與理念。


Bill Viola
Ocean Without a Shore
2007
High Definition video-sound installation
Production stills
Photo Kira Perov
Courtesy the artist

而錄像大師Bill Viola最新創作的《Ocean Without a Shore》談的則是他長久以來專注的主題：生死離別與個人救贖。具高度宗教意義的這件作品相當精確地選擇在教堂中展出，三面直立液晶螢幕高彩度地呈現出畫面主角由遠自近走來（黑白影像），穿越過一道不容易察覺的水幕，乍然跨入現實世界（彩色影像），隨之再度回歸它世的過程。慢動作的影像、單色調的應用、震撼人心的構圖，沒有對白只有水聲的空間，這些均是Viola相當重要的創作標誌。
而韓國國家館藝術家Hyungkoo Lee奇特怪誕的骨骼化石《Animatus》系列，乍看之下像是某種古生物體，然一些細微的細節卻又露出馬腳，提醒我們這些古生物並不古（有些是迪斯奈動畫片中的主角），事實上也不存在。而另一件展出的早期作品《The Objectuals》系列，藝術家用自我發明的特殊變形裝置如定點放大鏡頭盔…等來改變人類臉部的樣貌，完成了一個個有如外星人般肖像照片。這些實帶諷刺的創作作品除了批判「制式標準」的概念、頌揚「主流外」的價值之外，令人會心一笑的詼諧效果也使人印象深刻。
由林宏璋所策展的台灣館《Atopia域外之境》，可惜的是策展論述與個別作品的關聯性相當契合，然各展品間因水平落差過大，整體上還是多少令人感到不太搭調的感覺。值得一提的應該是一進入普里奇歐尼宮馬上迎面而來，由旅美藝術家黃世傑所創作的大型裝置作品《EVX-07》。如水母般呼吸的機械生物並排而立，環繞的電線、螢光燈、塑膠瓶與螢幕構成一個機械生物叢林，頗有科幻小說的背景特色，也將具傳統美感的普里奇歐尼宮轉換成相當「另類」的異形空間。


Hyungkoo Lee
Lepus Animatus
2006, Resin, aluminum sticks, stainless steelwires, springs and oil paint
111 x 60 x 70 cm
Exhibition view
© 狂亂中的美

如果黃世傑的低階媒體互動裝置反映出一種痴狂性的創作過程，而墨西哥國家館所推出的Rafael Lozano-Hemmer應是本屆雙年展中最懂得應用當代高科技工具來創作的理性藝術家。本展中除了有曾在台灣展出過的《Frequency and Volume人體收音機》一作之外，還有Rafael Lozano-Hemmer特地藉本雙年展機會最新創作的《Wavefunction波函數》一作。在現場整齊排列的三十六張椅子，會隨著觀者的繞行而啟動感應器如波浪般漂浮起來，除了符合水都的情調，同時也為這件高科技作品帶來一股浪漫的情懷。

Joseph Beuys
Honigpumpe am Arbeitsplatz (Honey Pump at the Workplace), 1977
Two tons of honey, 200 lb. (100 kg) of margarine, two ship’s engines, steel container, plastic tube, and three bronze pots
Overall dimensions variable, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebaek, Denmark
Photo by Strüwing Foto © Joseph Beuys by SIAE 2007

痴狂與信念背後的社會意涵：當巴尼遇見波依斯（Matthew Barney & Joseph Beuys）
當藝術家的信念超越藝術擴展到國家與社會環境層面，其散發出來的魅力與影響或許就不單只限於造型的面向，更有可能成為一種治國理念，如德國藝術大師波依斯Beuys「社會雕塑」與「擴張性的藝術觀念」。
威尼斯佩基古根漢美術館所推出，由首席策展人Nancy Spector所策劃的《巴尼與波依斯對話展》，是本雙年展外不可錯過的精緻小展。本展透過兩位藝術家在材料（前者用凡士林、橡皮伸縮帶、神祇形象；後者用脂肪、毛氈、死兔、十字架…等）、創作手法（兩者均生產了大量的素描、雕塑、櫥窗、及行動演出）、奇特的生活經驗（一個深愛自然主義，曾當過歷經世界大戰差點死去的士兵，也曾競選過議員；另一個是耶魯大學畢業的高材生，具醫學背景，當過運動員、模托兒）與符徵圖像的應用，展出兩位藝術家的素描、雕塑、櫥窗與錄像紀錄，藉此分析這兩位藝術家的藝術歷程與成果，除了讓我們看到兩位藝術家之間的雷同之外，其實還有兩者之間的不同。

Matthew Barney
Chrysler Imperial, 2002 (detail)
Cast concrete, cast petroleum jelly, cast thermoplastic, stainless steel, marble, and internally lubr icated plastic; 5 units
4 units approximately 24 x 60 x 90 inches (61.0 x 152.4 x 228.6 cm) each
1 unit approximately 66 x 156 x 168 inches (167.6 x 396.2 x 426.7 cm)
Solomon R. Guggenheim Museum, New York
Partial gift, Dimitris Daskalopoulos. Purchased with funds contributed by the International Director's Council and Executive Committee Members 2003.88
Installation view, all in the present must be transformed: Matthew Barney and Joseph Beuys, Deutsche Guggenheim, Berlin, 2006-07
Photo by Mathias Schormann © 2007 Matthew Barney. Used by permission. All rights reserved

波依斯相信大自然的力量，拒絕被稱為是應用「象徵」在創作，實踐素材的應用才是他堅信的創作理念；而巴尼則不同地用大量的「象徵」來表達他異樣的世界，其素材的選擇都與他的生活背景有關。然不論他們的生活觀是如何的不同、他們的社會觀是如何的不同、他們的藝術觀與信念是如何的不同；但他們對於肉體的耐力與體認，對於宗教、神話的符徵與啟發卻有著相同的好奇與迷戀，一個相信社會改革的神話，另一個相信個體自我改造的神話，最終兩位均在後現代的今天實現了最佳的「個人神話」。

《Sequance 1》不如理想、皮諾與古根漢的競爭
不同於古根漢展有趣的對話與比較，去年於威尼斯開幕的Palazzo Grassi所推出的《皮諾繪畫與雕塑藝術典藏展》則稍顯薄弱，甚至可說毫無策展論述可言。純以藝術媒材（繪畫與雕塑）與展出藝術家為基調的《Sequance 1》，首先令人印象深刻的是去年曾在巴黎展出，隨之即被收購的印度藝術家Subodh Gupta用金屬水桶所完成的大型顝顱頭作品《Very Hungry God》，取代了原本展出Koons的粉紅氣球狗，漂在美術館外前的運河旁，他也是本展中唯一的中亞洲藝術家代表。而一入門，瑞士年輕藝術家Urs Fischer的《Jet Set Lady》，如一顆掛滿加框影像的大樹高聳地樹立在館內中庭中，呼應著懸掛在樓梯中，由奧地利藝術家Franz West特地為本展最新完成的數位海報作品《La Sagna》。


Subodh Gupta
Very Hungry God
2006, Structure en acier inoxydale recouverte d'ustensiles de cuisine
360 x 280 x 330 cm
© 狂亂中的美

本展依照某種排列方式（但這種排列的模式令人難以信服），分別展出十六位藝術家的作品，從極為年輕，均不超過四十歲的當代藝術家如Kristin Baker、Roberto Cuoghi、Urs Fischer、Laura Owens、Anselm Reyle、Tamuna Sirbiladze，到可稱為大師級的Franz West、Richard Prince、Martial Raysse、Rudolf Stingel、Mike Kelley、David Hammons…等；很明顯地，本展不尋求探討當代藝術的美學面向或歷史進程，整體圍繞在此國際大亨至今在當代藝術圈中日益重要的影響力與地位（畢竟本展中近百分之四十的作品是配合本展而誕生的作品）。這也不禁讓人好奇Pinault接下來還會有什麼樣的動作。

Urs Fischer
Jet Set Lady, 2000/2005
Iron, 2000 framed drawings (color/ laser prints), wood frames, 24 fluorescent tubes, 900 x 700 x 700 cm
© Urs Fischer
Originally commissioned and produced by Fondazione Nicola Trussardi, Milano
Installation view at Istituto dei Ciechi, Milano
Photo credit: Stefan Altenburger, Zurich

果然就在不久前，威尼斯市政府才正式發布一道消息，該市去年對外開放競標的Punta della Dogana舊海關倉庫區，正式由Palazzo Grassi SpA得標，打敗參與競標的古根漢美術館。此一消息的發布除了確認了Pinault集團持續對當代藝術的投資與高度興趣，也突顯其在威尼斯扎根的長遠計畫。該集團並宣布該藝術中心案將同樣交由日本建築師安藤忠雄Tadao Ando進行建築物的規劃與設計，而現有的Palazzo Grassi將與這未來的新美術館相輔相成，前者以策劃各類臨時展的展演計畫為主，而後者則專注在皮諾典藏作品的展出，成為威尼斯參觀當代藝術的新地標。

Artbar:
第五十二屆威尼斯雙年展52th la Biennale di Venezia
Think with the Senses, Feel with the Mind, Art in the Present Tense
策展人：Robert Storr
日期：10 June – 21 Nov., 2007
地點：Venice, Italy
網址：www.labiennale.org

All in the present must be transformed : Matthew Barney and Joseph Beuys
策展人：Nancy Spector
日期：6 June – 2 Sep., 2007
地點：Peggy Guggenheim Collection, Venice, Italy
網址：www.guggenheim-venice.it

Sequence 1 – Painting and Sculpture in the Francois Pinault Collection
策展人：Alison M. Gingeras
日期：5 May – 11 Nov., 2007
地點：Palazzo Grassi, Venice, Italy
網址：www.palazzograssi.it